La photographie, c'est un art charmant et abominable.
On pensait autrefois que les photos renfermaient l'âme des gens.
Instantanés du quotidien, arrêts sur image, complices des souvenirs ou véritables œuvres d'art, la photographie s'exhibe...
Les photos sont là, et il ne te reste plus qu'à les prendre.
Steve McCurry, l'auteur de «L'afghane aux yeux verts».
Steve est né en 1950 à Philadelphie.
Il vit maintenant à New York et il est membre depuis 1986 l’Agence Magnum.
«Au bout d'un an et trois mois, raconte le photo-reporter, je suis allé en Afghanistan, sans passeport, en me déguisant en Pachtoun. En dehors de Raymond Depardon, peu de photographes y étaient allés au moment de l'invasion soviétique.»
Il part au Pakistan où, déguisé en autochtone, il passe clandestinement sur le territoire afghan sur le point d'être envahi par les Russes.
Là, il mitraille, rouleaux de pellicules dissimulés dans ses poches cousues.
D'un rendu chromatique inégalable, il palpe la réalité mieux que personne.
Cette jeune Afghane de 13 ans qui regarde le monde, droit dans les yeux, depuis 25 ans.
Sharbat Gula, avec sa beauté de jeune biche farouche.
Il se passe quelque chose de particulier dans cette image prise au vol, résumé graphique de l'enfance en suspens entre joie de vivre et malheur.
Les tirages de Sharbat Gula, Afghan Girl (1984) sont presque tous épuisés.
Le très grand format de 102 × 152 cm, exemplaire no 2 sur un petit tirage de 8, vaut aujourd'hui plus de 70.000 euros !
En 2002, Steve Mc Curry retrouve la jeune Afghane, burqa relevée sur un regard éteint de bête traquée, portrait représentatif de la carrière de ce photographe accrochant les regards sur papier glacé.
«Au début, tout est image. Il faut du temps pour comprendre vraiment ce que l'on voit et réaliser ce que l'on peut faire. C'est la recherche de l'instant décisif»
Ce démocrate engagé, proche du grand photographe Eugène Richards, salué à Perpignan en 2009 pour son travail sur les soldats blessés en Irak, a peu photographié l'Amérique.
« Hormis New York et son architecture grise, l'Amérique des centres commerciaux, de l'uniformisation du way of life, des chaînes de McDonald's, des blockbusters, des voitures et du sport obligatoire, ne me charme pas. Je préfère partir.»
Dès que ce photographe évoque ses voyages, son œil déjà pétillant de malice s'anime comme si les années n'avaient fait que le conforter dans sa quête en images.
« De manière inconsciente, je crois que je guette un regard, une expression, des traits ou une nostalgie capable de résumer ou plus exactement de révéler une vie. Un visage qui reflète les conditions, la beauté ou/et le malheur d'un pays. Dans cette perspective, je peux rester des heures et des heures à observer les gens. Pour moi, ça reste toujours aussi passionnant. »
Un des évènements marquants dans la vie de McCurry est les incidents du 11 septembre 2001.
A peine revenue du Tibet il était assis dans son bureau à ouvrir son courrier quand quelqu’un l’a appelé pour lui dire de regarder à la fenêtre.
Il s’est dirigé sur les lieux pour prendre des clichés. Le résultat est saisissant. L’on peut sentir l’impuissance face à la situation dans la photo .
Bibliographie:
• The Imperial Way, Houghton-Mifflin Company (1985) • Monsoon, Thames and Hudson (1995)
• Portraits, Phaidon Press (1999)
• Sud sud-ouest, Phaidon Press (2000)
• Sanctuaire: Les temples d’Angkor, Phaidon Press (2002)
• Les chemins de Bouddha : Pèlerinage tibétain, Phaidon Press (2003)
• Steve McCurry par Anhtony Bannon, Collection 55, Phaidon Press (2005)
• Looking east, portraits par Steve McCurry, Phaidon Press (2006)
• A l'ombre des montagnes, Phaidon Press (2007)
• Instants suspendus, Phaidon Press (2009)
Co-fondateur de l’agence Vu et membre éminent de l’agence Rapho depuis plus de 15 ans, Gérard Uféras a longtemps travaillé dans les coulisses de l’opéra et de la mode.
Il a toujours préféré l’ombre chatoyante des coulisses du métier à la lumière trop crue d’une « vedettarisation » contraire à son éthique.
Tout respire chez lui en priorité un savoir-faire qui sacrifie le paraître à son amour du beau.
Car son parcours est exceptionnel, depuis cette historique « carte blanche » qui lui fût donnée aux côtés de Jean-Loup Sieff et de Mary Ellen Mark, et lui permit de vivre un moment clé de sa jeune carrière : sa rencontre avec le monde jusqu’alors impénétrable de l’Opéra de Paris.
Dans les cénacles de la création que sont les coulisses des plus grands opéras, des défilés de mode ou du ballet de l’Opéra National de Paris, le photographe devient lui même chorégraphe des paradis secrets ainsi dévoilés.
Le photographe a su forger son propre style, tutoyer ses maîtres et maîtriser à leur manière la jubilation de l’instant décisif avec un sens extrême du cadrage.
Gérard Uféras n’est jamais voyeur.
Il porte sur ce monde de paillettes, comme sur les décors des opéras ou les miroirs de l’Ecole de danse, un œil tendre et complice.
Dans son viseur il fait de chacune de ses images, un superbe instantané offert à tous.
« Je ne peux m’empêcher d’associer la pratique de l’Art à la notion d’amour et de partage. »
Gérard Uféras nous invite dans l'univers de la mode où il n'est pas tant question d'habiller le corps que de le magnifier par des créations plus belles les unes que les autres.
Les jeunes filles, outrageusement maquillées, se prêtent au jeu des muses, leurs corps n'est plus qu'un support à des créations délicates qui sculptent leurs formes.
En coulisse, le photographe dévoile la fabrique des rêves: séance de maquillage, ajustement des vêtements, coiffures sophistiquées et patience des mannequins avant leurs passages devant les invités.
Il a aussi suivi 70 mariages et pacs pendant deux ans et en délivre le meilleur dans son exposition à l’Hôtel de Ville de Paris, jusqu’au 31 juillet.
Ces couples viennent d’horizons différents, de cultures et de religions distinctes mais ils ont tous en commun l’amour.
Un sourire complice, un « oui » susurré ou une danse improvisée…
Gérard Uféras a capturé tous ces instants de bonheur en quelques clics.
« Lorsqu’une telle fusion
s’établit entre l’esprit et le cœur, c’est qu’on se trouve
face à un très grand artiste, confiait son ami de toujours Willy
Ronis. On voudrait employer un mot très fort , mais on n’ose pas,
alors on dit qu’on est devant le grand mystère qui se nomme la
Grâce. »
pl. de l'Hôtel de Ville 75004 Paris
01 42 76 40 40
Du 6 mai 2010 au 31 juillet 2010.
De 10h à 19h Tlj, sf dims et fêtes.
entrée libre
Un Fantôme à l'opéra.
Bibliographie:
L'Étoffe des rêves. Un Pas vers les étoiles. Etats de grâce, Les Editions du Fantom, 2009
— Un Pas vers les étoiles, Flammarion, 2008
— Gérard Uféras et Sarah Mower, L'Étoffe des rêves, Altinea, 2001
— Un Fantôme à l'opéra, Altinéa Collectionneur,
Jean-Jacques André est né en 1932 et a grandi à Marseille, en France avec ses grands-parents et une tante.
Ses tuteurs insistent pour qu'il assiste régulièrement à l'opéra dés l'âge de sept ans, que ce serait pour lui une expérience éducative.
Ce qu'il décrit comme un cauchemar avec sa «seule récompense après la tourmente des airs et les voix de divas était le ballet.»
C'est en regardant les créatures délicates danser dans le ballet que ses premières révélations de la beauté féminine a commencé.
Il y avait dans le ballet de belles créatures, les femmes qui ne pourraient pas exister en ce monde, des anges d'une autre dimension.
Les danseurs sont devenus une influence indéniable dans son travail photographique.
Son père était un symboliste, un peintre de mythes et de légendes, inspiré par de grands poètes comme Villion, Gothe, Shakespeare.
Il utilisait la mythologie grecque,les châteaux médiévaux mélanger aux scènes romantiques, où le nu est toujours présent, le tout dans une harmonie éblouissante et la maîtrise de la couleur ...
A l'âge de 12 ans, Jean savait qu'il voulait devenir un peintre comme son père.
A quatorze ans, sa passion pour la nature a attiré Jean au sud de la France pour explorer les grottes et les gouffres de la région.
"Là, j'ai pu trouver quelques-uns des tableaux dramatiques et les effets d'éclairage qui a laissé une impression profonde antérieure... vieux châteaux, des ruines romaines, des canyons et des paysages tourmentés, j'ai aimé ces endroits mystérieux et étranges ".
Un peu plus tard Jean se tourne vers la photographie et la magie de la chambre noire.
Jean a commencé à photographier la figure humaine.
Dans la tradition romantique typique - son premier modèle est devenue sa femme qui «... à ce jour a été mon plus grand compagnon, d'inspiration, la critique et artiste elle-même, contribue à stimuler le processus créatif."
Même si Jean a estimé que,
"Il n'y a aucun autre aspect de la photographie qui représente une telle interprétation personnelle unique représentant du nu féminin" il ne tarda pas a tombé sur un problème de création."
Le nu seul n'était pas satisfaisant pour moi.
Je sentais qu'il n'avait pas une grande valeur artistique en soi, mais pourrait être utilisé dans le cadre d'un croquis ou de référence à développer plus tard dans une composition avec plus de profondeur et de sens. "
Il a trouvé la réponse en utilisant le dessin en tant que composants dans la création de nouvelle photo.
Dans les années 1980 Jean a beaucoup voyagé faire des images de paysages extraordinaires dans des endroits comme l'Arctique, en Israël, dans les Caraïbes, la Chine, le Canada et les États-Unis.
Beaucoup de ces paysages ont servi de toile de fond au sein de ses photomontages.
Cette méthode de travail a permis la création de mondes inconnus, un environnement mystérieux et oniriques, un champ ouvert à la créativité sans fin en vue ...
"Et, si parfois mes demoiselles en détresse sont enchaînés ou tourmenté, je suis là pour les sauver , pour les ramener à ce monde d'imagination où elles appartiennent, dans leur jeunesse immortelle et la beauté. "
Compte tenu de la minutie des méthodes de travail que Jean a utilisé pour produire ses images, comment sent-il l'arrivée du support numérique et les options de logiciel pour le photographe ouvert aujourd'hui?
"Un demi-siècle après que j'ai commencé mon premier montage l'images s'estompe, tandis que l'ère du numérique ouvre un nouveau départ, une autre dimension avec de nouveaux outil. "
Il est internationalement reconnu comme un chef de file dans les musées ,les multimédias et son travail peut être vu dans plus de 70 musées à travers le monde.
Jean à toujours l'esprit ouvert, jeune de cœur et toujours avide d'apprendre de nouvelles méthodes dans la production de ses images poétiques et ludiques.
Le temps ne montre aucun signe de ternissement de l'enthousiasme pour la création de Jean.
S'il a des regrets il se pourrait qu "Une vie ne suffit pas!"
Bien qu'écrit en 1741 le philosophe suisse Bodmer aurait pu décrire les photographies de Jean quand il écrit:
«L'imagination dépasse tous les magiciens des mondes: c'est non seulement le lieu du réel sous nos yeux fait éloignés des choses de notre présent, mais aussi, avec une puissance plus puissante que la magie, elle attire ce qui n'existe pas, lui donne un semblant de réalité, et nous fait voir, sentir et entendre ces nouvelles créations."
Mary Ellen Mark (née en 1940) compte parmi les photographes contemporains les plus célèbres et les plus reconnus.
Elle commence la photographie à 9 ans, puis s'intéresse au dessin et à la peinture lors de son passage au lycée, puis à l'université de Pennsylvanie.
Son diplôme en poche elle obtient une bourse pour partir photographier en Turquie pendant un an.
Elle devient photographe indépendante au cours des années 1960 et obtient très rapidement des commandes de plusieurs magazines.
En 1976, elle réalise un reportage sur le service de haute sécurité réservé aux femmes de l'Oregon State Mental Hospital (Ward 81).
En 1978, photographie les prostituées des maisons closes de Falkland Road, à Bombay.
Travaillant principalement en noir et blanc, Mark a pour thèmes de prédilection les exclus de la société.
Les deux ouvrages consacrés à ces sujets seront récompensés par plusieurs prix.
En 1977, elle devient membre de la prestigieuse agence Magnum Photos, qu'elle quittera en 1982 pour travailler de manière indépendante.
Depuis les années 1980, elle a notamment photographié les adolescents fugueurs de Seattle, les missions de mère Térésa à Calcutta, les cirques en Inde ou les jumeaux aux États-Unis, sujets qui ont fait l'objet de plusieurs ouvrages.
Mary Ellen Mark a reçu de nombreuses récompenses.
Cinq doctorats honoris causa lui ont également été décernés.
Ses photographies ont été publiées, entre autres, dans le New Yorker, le New York Times Magazine, Vanity Fair ou encore le magazine Life.
Les photographies de Mary-Ellen Mark expriment la violence du réel, en mettant en scène la violence de personnages ou de situation dans lesquels des personnages sont placés.
Pleines de compassion mais jamais prosaïques, ses photographies peuvent être tout à la fois humoristiques, tragiques, énigmatiques ou choquantes.
Les horizontales sont basculées de sorte que le spectateur bascule lui aussi dans la folie du moment.
Le cadrage est heurté à dessein, la puissance et la virulence des sujets.
Elle construit ses reportages sur le long terme en suivant certaines familles pendant des années.
Cette méthode la classe parmi les documentaristes: elle a quelques fois liée des liens forts avec ses sujets.
Elle se défend pourtant de raconter des histoires: "je ne veux pas être qu'une photo-essayiste, je suis plus intéressée par une images isolée... une que je juge suffisamment bonne pour être présentée seule".
Elle photographie toujours avec humanisme, au point que l'on la classe parfois parmi les portraitistes.
Rarement posés ces portraits sont souvent faits au grand-angle pour placer le sujet dans son contexte et est aussi très attentive à la qualité technique de ses images.
Elle vit à New York et est mariée au reporter Martin Bell.
Dennis Hopper est un acteur, réalisateur, poète, peintre et photographe américain. Né à Dodge City, Kansas, le 17 mai 1936 , il est le fils de Marjorie Mae (née Davis) et Jay Millard Hopper.
La famille Hopper s'installe à Kansas City après la fin de la seconde guerre mondiale.
C'est au Kansas City Art Institute que Dennis suit les cours de peinture de Thomas Hart Benton.
Dennis Hopper n'a alors que 13 ans quand la famille déménage à San Diego en Californie.
Son père dirige une poste (il est aussi membre de l'OSS) et sa mère est enseignante.
Hopper fut élu le plus apte à réussir par les élèves de sa classe à l'université, et c'est là qu'il développa un intérêt pour le théâtre.
La mort de Dean dans un accident de voiture en 1955 affecta profondément le jeune Hopper, et ce fut peu de temps après cela qu'il entra en conflit avec le réalisateur Henry Hathaway sur le film From Hell To Texas.
Le comportement de Hopper sur le tournage est tel qu'il est banni de Hollywood pendant plusieurs années.
Dans l'impossibilité de jouer au cinéma, Hopper se tourne vers la photographie et fait la couverture pour l'album River Deep - Mountain High de Ike et Tina Turner (1966).
Esthétiquement, la photographie de Dennis Hopper a évolué, mais dans sa première période elle est liée à la street-photography comme en témoigne le célèbre Double Standard (1961).
On y trouve un portrait de groupe de Warhol et de membres de la Factory (1963), des portraits d’Ed Ruscha (1964) et Robert Rauschenberg (1966), le Double Standard, une photo de manifestation en Alabama (1965) et un couple de motards (1961).
Dans les années 1960 toujours, il photographie ses collègues hollywoodiens.
Hopper a suivi des personnalités telles que Tina Turner en studio, Andy Warhol à sa première exposition sur la côte ouest, Paul Newman sur les plateaux, et Martin Luther King durant la marche pour les droits civiques de Selma à Montgomery, en Alabama, avec la même grâce et la même précision.
En 1963, il réalise une séquence photographique avec les images en close-up d’une télé qui diffuse les obsèques de John F. Kennedy.
Il s'intéressait aussi aux stars de la pop musique (Phil Spector, James Brown, Ike et Tina Turner…).
Prend des photos de rues, de Martin Luther King et de ses amis plasticiens (James Rosenquist, Roy Lichtenstein…).
Hopper était alcoolique et drogué, et à ce point de sa vie, sa dépendance devint plus importante.
Au début des années 1980, Hopper entreprit un programme de désintoxication et se cura de ses dépendances.
En 1988 Il continue d'être une personnalité importante à Hollywood, tant comme acteur que comme photographe et réalisateur.
La pratique photographique de Dennis Hopper incarne, à elle seule, sa capacité à aborder de plein pied toutes les facettes de la culture américaine moderne.
Depuis les années 1990, Dennis Hopper photographia en couleur et en gros plan des murs tagués par des anonymes.
Ces images évoquent à la fois les graffitis de Brassaï et les œuvres de Basquiat.
Du pop-art photographique en somme.
Les souvenirs photographiques de l’acteur/artiste/réalisateur Dennis Hopper sortent indiscutablement du lot.
Dans des clichés évocateurs et remarquablement personnels, Hopper a saisi les artistes, politiciens et poètes qui définirent ces incroyables années.
Au centre de ce survol intime, les artistes et collectionneurs à l'origine du mouvement du Pop Art et de l’une des imageries visuelles les plus importantes du XX siècle.
Ses premières photos de combats de taureaux à Tijuana, d’évènements populaires à Los Angeles et de scènes urbaines sont marquées par l’imagination et l’expérimentation qui se développèrent logiquement dans la vive imagerie d Easy Rider.
« Je faisais quelque chose dont je savais que cela aurait un impact un jour. A bien des égards ce sont vraiment ces photographies qui m’ont permis de continuer à aller de l’avant artistiquement.»
Décédé à Venice, Californie le 29 mai 2010, quelques errances, de la vitesse et des virages sur le fil. Dennis Hopper est mort samedi d'un cancer de la prostate à l'âge de 74 ans.
Contestataire et rebelle, Hopper nous a quitté.
Ce qu’il restera de Dennis Hopper, ce sont toutes ces vies en une seule, ce mélange détonnant, en un mot ce collage.
Michel Comte a été né en 1954 à Zurich, en Suisse.
Il s'est vu confier son premier contrat publicitaire en 1979.
Il s'installe à Paris.
Il a été découvert par Karl Lagerfeld par qui il a reçu sa première affectation pour la maison de couture de Chloé.
Son travail pour le Vogue américain le conduira en 1981 à New York et plus tard, il s'installa à Los Angeles.
Depuis, il est devenu l'un des photographes les plus recherchés du secteur, engagé pour des campagnes par des marques aussi prestigieuses qu'Armani, Dolce et Gabbana, Nike, Lancôme, Revlon, Ferrari ou Mercedes Benz.
Il reste un photographes de mode et a réalisé des portraits de nombreuses personnalités pour des magazines tels que Vogue et Vanity Fair.
Il réalise également des photographies pour le compte du comité international de la Croix-Rouge et est le fondateur de la Fondation de l'eau Michel Comte, visant à fournir un accès à l'eau potable dans les pays où elle n'est pas facilement disponible.
Avec ses collaborateurs, il travaille également à la sortie d'une bouteille révolutionnaire qui purifie l'eau d'elle-même sans addition de composants chimiques
Cette question de la pénurie d'eau est, pour lui, une question très importante.
Michel Comte a tout au long de sa prestigieuse carrière signé des nues exceptionnels.
Ses portraits montrent des personnalités sous un angle toujours original.
C’est a lui que l’on doit le nu de Carla intitulée «Carla Bruni, 1993» , qui s’était vendu pour 91.000 dollars chez Christie’s à New York.
Photographiée en noir et blanc, Carla Bruni apparaît nue, les mains jointes dissimulant son intimité, dans une pose qui semble faire référence au tableau «Les Poseuses» de Georges Seurat.
Mais il a shooter très souvent Carla...
Michel garde une diversité incroyable dans son travail, de la photo de mode au photo-journalisme en passant par le portrait de célébrités...
Le magazine Photo, a fait deux numéros spéciaux sur lui.
C'est un photographe énormément influencés par Avedon.
En outre, il a la chance de le connaître très bien personnellement.
Avedon lui-même aime ses images, ce qui est un énorme compliment.
La photo de Nastassja avec le serpent est une représentation parfaite de la femme-enfant.
Elle
est magnifique.
Si vous regardez attentivement les photos de Nastassja avec le serpent, le serpent lui-même devient un vrai sexe-symbole, il est beau et intrigant.
Depuis 1990, une grande partie de ses œuvres est en possession privée dans la suite 152 de l’hôtel Ritz à Paris.
On y retrouve des portraits intimes de l’actrice Sophie Marceau, de l’artiste Jeff Koons, du comédien Jeremy Irons ou encore du pilote de formule 1 Michael Schumacher.
Beaucoup de photographes font l'erreur ou, en tout cas, le choix de se spécialiser.
Ce choix implique le risque de commencer à s'essouffler et de fatiguer son public, cela revient a poser une date limite de consommation à sa propre carrière.
Varier les genres de photographies lui a permis de n'être jamais considéré comme un «has been».
Aujourd'hui il shoote encore pour des magazines comme Vogue Italie qui a été l'un de ses premiers clients.
C'est magnifique d'avoir l'opportunité de ne jamais être oublié.
Il travaille aussi sur plusieurs livres dont l'un s'appellera «Public Comte», qui rassemblera tout ce dont il été le témoin dans un contexte public, cela va des Oscars à Cannes en passant par une exécution capitale et les guerres.
Il travaille aussi sur un livre de nus, un livre de portraits ainsi qu'un autre qui s'appellera «Pola Comte».
« Les images ont le pouvoir incroyable de toucher la vie des gens.
Qu'il s'agisse d'une image de beauté, elles ont la capacité de marquer et d'émouvoir.
Les images ont en elles-mêmes une valeur d'engagement.
Et quand on devient grand photographe, on acquiert une sorte de statut de célébrité qui peut aider à transformer ce mode des apparences en réalité.
Il y a quatre ans, un jeune garçon, gravement malade, m'a demandé de le photographier.
C'était atteint d'une maladie du système immunitaire.
Avec Elton John, que ce garçon rêvait aussi de rencontrer, on a réussi à organiser un concert à Zurich pour recueillir des fonds et aider à trouver une cure.
Aujourd'hui, ce garçon est encore en vie. »
Il a dernièrement réalisé une belle collection de photos sur le Tibet.
La photographie est un mode d'apparences mais son rôle premier est de transformer le négatif en positif, et Michel Comte l'a bien compris...
Francesca Stern Woodman, photographe américaine née à Denver en 1958, elle plongea par la fenêtre de son appartement, à Manhattan, le 19 janvier 1981.
«Mais je viens de m’apercevoir qu’un éclat de miroir servait simplement à trancher une paupière.» Extrait des mots doux qu’écrivait Francesca Woodman (1958-1981).
La mise en scène est marquée dès les premières images, à l’age de 13 ans.
«Être photographiée m’aide à être moi - je ne peux pas aller plus loin pour ce qui est de faire salon», prévient-elle un jour de 1973, juste avant de détailler les six manières de manger une orange.
Elle suit, à Providence, les cours de Rhode Island School of Design, une école des Beaux Arts.
Elle lit les auteurs intéressés par la condition de la femme (Virginia Wolf, Colette…) ainsi que les écrits d’André Breton sur le surréalisme.
Elle décroche une bourse d’un an à Rome (77-78). Elle connait l’Italie pour y avoir été en voyage avec ses parents (George Woodman, céramiste et photographe, Betty Woodman, céramiste).
En 1977, début d'une nouvelle réflexion: les anges. «A Rome, on a subtilisé des décorations en forme d'ailes d'ange derrière les bureaux au rez-de-chaussée de la fabrique de pâtes désaffectée à San Lorenzo. »
Elle termine ses études et s’installe à New York, en 1979, où Francesca Woodman s'installe à East Village, dans un atelier sur la 12e rue.
Et se lance dans une série en pleine nature, où, les cheveux sagement nattés, elle se déguise littéralement en arbre.
C'est-à-dire qu'elle s'essaie, encore, à contraindre son corps à devenir transparent, ou autre, pourquoi pas un arbre.
Son style,l’autoportrait y domine, le format carré du 6x6 donne une précision d’image qui lui permet d’exploiter l’esthétique des flous optiques et bougés, dans lesquels planent l’influence du surréalisme.
Disparue prématurément à l’âge de 23 ans, elle laisse derrière elle un peu plus de huit cents clichés.
Son travail s’est échelonné sur une courte période de huit ans, et pourtant...
Si l’ensemble de son travail tourne autour de l’autoportrait, elle dénie très souvent l’appareil, cachant son visage sous ses cheveux, des objets, des parties de son corps.
Une lecture psychologique de son travail est comme une prémonition de son suicide.
La complexité des intentions qui lui ont été attribuées s’adapte mal à une personne aussi jeune. “Mes photographies sont tributaires d’un état affectif.”
Francesca ne cherche pas la complaisance mais travaille la représentation du corps féminin, en bousculant l’ordre et les conventions, pour y opposer des images qui font appel aux sensations et à l’imaginaire.
Elle flirte aussi avec le surréalisme pour aménager ses petits mélodrames narcissiques.
Elle est d’une intense beauté, mystérieuse, légèrement vénéneuse.
Les cadrages fractionnent un corps-objet torturé, tourmenté.
Autre point à mettre en avant : le contraste permanent entre un arrière-plan fixe et un modèle humain toujours en mouvement, caché, comme insaisissable...
Elle est dérangeante et fascinante, elle passe telle une apparition spectrale fragile.
Aux questions pourquoi se déshabiller pour poser, pourquoi être son propre modèle ?
Elle répondait : “C’est par commodité. Ainsi je suis toujours à portée de main.”
C'est si réussi qu'effectivement on la cherche dans l'image, comme ce portrait dans une baignoire où on n'aperçoit que sa chevelure.
Parfois répulsif à souhait, témoin la photo avec l'anguille dans une bassine.
Il y a peu de photographies en extérieur, Woodman préférant affronter les fantômes dans leurs cachettes, entre les murs, sous les portes.
Son univers étrange comme la série de photos où elle disparaît dans les murs dissimulée dans des feuilles de papier peint.
Sur une image elle s’est entourée les jambes d’un ruban de plastique transparent qui fait ressortir la chair là où le ruban ne passe pas, elle a aussi posé un gant sur son sexe, surréaliste...
Nous avons à faire à une jeune fille d’une maturité surprenante pour son âge, qui se met à nu au sens propre du terme. Elle compose ses images en réalisant au préalable des petits croquis.
Elle se met presque toujours en scène dans ses photos.
On a le sentiment que Francesca Woodman, s’est engagée dans une démarche narcissique de découverte de son corps, qu’elle visite à chaque prise de vue.
Ce travail sur soi, ce besoin de se mettre en scène tourne à l’obsession.
Ses photos sont intemporelles car le décor ne donne pas d’indice sur l’époque de la prise de vue. Dans les années 70, les codes de la photographies imposaient un certain cadrage, une netteté irréprochable, les photographes faisaient du paysage, du reportage social, de la mode ou du nu, le regard de Francesca Woodman ne rentre dans aucune catégorie.
Sa démarche semble être de la « photo-thérapie », un moyen d’exister, une addiction.
Ces images étaient-elles destinées à être publiées?
La jeune femme a fait l’objet d’abondants articles et essais, on n’en dénombre pas moins de 75.
Ces analyses soulignent souvent une influence des surréalistes et du roman gothique dans son œuvre.
Totalement inconnue à la fin des années 70, elle est considérée comme une artiste majeure de l’art américain des trente dernières années.
Sa notoriété n’est arrivée que post mortem et à son insu.
Né en Australie. En plus de la photographie, James agit souvent comme directeur artistique des films, des clips vidéo et la publicité télévisée.
Un retardataire par rapport à la photographie professionnelle, Russell a vécu une existence nomade jusqu'à devenir «obsédé» par la photographie à l'âge de 30 ans.
Jusque-là, il avait expérimenté avec un certain nombre de carrières,il quitte l'école à l'âge de 15 ans pour commencer à travailler dans une usine métallurgique à Perth, en Australie, avant de devenir un ouvrier, un commerçant et même un agent de police.
Mais plutôt que d'être un obstacle à sa carrière, Russell a conclu que les vastes connaissances et son expérience acquise dans les années précédentes lui ont donné une plus grande aperçu des sujets et a influencé sa perception des images.
Russell James s'intéresse à la photographie assez tard dans la vie, il n'avait pas décider de faire carrière dans ce domaine.
«Quand j'ai finalement découvert la photographie c'était comme trouver le bon partenaire, tu sais juste que c'est pour la vie".
La formation de Russell a commencer comme assistant, puis plus tard, il a eu la chance d'être adoptée par David Lipman, qui lui a enseigné la composition. Les compétences techniques Russell ont été autodidacte.
Son style unique a été influencé par les paysages australiens et leurs lumières particulières avec ses nus sexys, pages de mode exubérantes, portraits de célébrités mais aussi d'aborigènes.
Russell est inspiré par de nombreux photographes et son idole est Irving Penn.
Australien né, Russell James est actuellement reconnu comme l'un des plus importants du monde de la mode, la beauté et les photographes de célébrités.
D'abord inspiré par la nature et l'extraordinaire lumière de l'Australie occidentale, Russell développe son style ambitieux et émotionnel dans la photographie de Londres, Paris, Tokyo, Stockholm et Milan à partir de 1987 à 1996.
Faisant ses débuts en tant que directeur commercial en 1997, son style d'impression unique traduit de façon transparente à film cinématographique et la télévision.
Bien qu'il met son succès sur le dos de la passion et de l'engagement, quand on lui demande s'il est satisfait de ses réalisations, la réponse de Russell révèle un autre aspect de son caractère: «Jamais! J'apprécie vraiment ce que l'industrie a donné de nouveau pour moi et les nombreux endroits ou mes images ont été publiées. Mais je pense que c'est une force motrice, toujours penser que vos images ne sont pas assez bonnes et qu'elles ont besoin d'être améliorée. " Sur cette base, il n'est pas surprenant que, pour Russell, ses reportages les plus intéressantes à ce jour soit ses plus redoutables: «Je dirais que la plus extrême des production et les défis les plus insurmontable, c'est ce que j'aime le plus. »
Certains sont les shootings en eau profonde pour son projet Nomad et pour Rolex, la prise en charge de tout un théâtre à Los Angeles pour créer un livre sur les coulisses de Victoria's Secret avec les meilleurs modèles dans le monde, ou de photographier dans les glaciers de l'Islande pour Ralph Lauren.
Il est réputé pour son travail dans la mode notamment pour de nombreuses campagnes de pub pour les plus grandes marques ainsi et surtout pour ses photos de mannequins souvent nues, sexy, dans un style provocant et exubérant.
De diverses réalisations de Russell pour des campagnes de publicité de pointe, tels que Rolex et Victoria's Secret, Evian, Armani, Hermès, Revlon, Nivea et Ralph Lauren.
Grand photographe de mode, Russel James a photographié les plus belles femmes de la planète en lingerie ou en maillot...
Son travail est également reconnu pour ses photos de célébrités et mannequins comme Cindy Crawford, Claudia Shiffer, Diane Lane, Estella Warren, Eva Mendez, Brittany Murphy,Gisele Bundchen , Halle Berry, Heidi Klum, Kate Bosworth, Laetitia Casta, Mary J.Blige, Gisele bundchen, Scarlett Johansson, Seal, Sigourney Weaver, Tyra Banks, Stephanie Seymour, Faith Hill et bien d'autres.
La Top Allemande Heidi Klum pose nue sur la plage sous l’objectif de Russell James dans une série de photos en noir et blanc.
Aucune de ces images n'est explicite, car elle est l'une de ces œuvres de la photographie de nu artistique et de soins.
Au cours de ces dix dernières années, son travail provocateur est paru dans les magazines de mode internationales comme Vogue, Sports Illustrated, W, American Photo, Elle, Marie Claire, Esquire, GQ, Vogue, Allure et bien d'autres...
Rusell a fait l'objet d'un livre rétrospectif retraçant l'essentiel de sa carrière.
Cette "Rétrospective" s'impose comme un ouvrage indispensable pour tout passionné de mode et de photographie.
Que cela soit pour des photos de la vie quotidienne des peuples autochtones d'Australie, ou l'élaboration d'une campagne de publicité pour une marque de luxe, Russell James ne laisse rien au hasard. Il a produit le livre SEXY pour Victoria's Secret.
Russell fait maintenant sa base à Perth, en Australie, et travaille à travers les USA et l'Europe sur les affectations régulières.
Russell James n'oublie jamais que ce n'était pas si longtemps que la vie était beaucoup moins à l'aise.
Même si le succès est venu dans les dix dernières années, Russell a un stoïcien approche de ce qui a été accompli auparavant et dit: «Il n'y a pas de place pour le regret dans la photographie. » Il y a un vieux dicton: «Plus je travaille plus je deviens chanceux, c'est la vérité de la réussite. "
Russell James a été choisi comme l'un des douze Hasselblad Masters "de 2007".
Et pour ces situations variées et exigeantes, Russell a besoin d'un système de photographie qui est à la fois souple et capable de capturer la meilleure image possible, que ce soit le portrait d'une célébrité dans un studio ou un shoot d'une fille qui nage nu dans une mer rempli de requins.
Dans le système Hasselblad H, il a trouvé la qualité, la fiabilité et la flexibilité pour répondre à ses besoins.
Il a d'abord choisi pour sa qualité l'objectif Hasselblad, mais il dit: « Pour moi, le H1 signifie moins de matériel à traîner et moins de pannes que différents systèmes. »
Une planification méticuleuse est également cruciale pour le succès des missions de Russell comme il l'explique: «Je commence avec le concept. Je vois les choses, pose des questions et je digère... Puis-je choisir un producteur et commencer à travailler sur la logistique comme l'endroit où travailler, quels sont les modèles que nous devrions travailler, comment nous allons exécuter le shooting. Il suffit de 2 secondes et 1/500e de seconde pour capturer une image, mais il faut des jours et parfois des semaines pour la préparer correctement. »
Russell offre aux jeunes photographes qui commencent leur carrière les conseils suivants: «Rester ouvert d'esprit. Écouter, apprendre et de ne pas décider dès le début que «le présent est le meilleur moyen» ou « Ne soyez pas déprimé par les refus et ne devenez pas trop porter sur le succès. »
Russell James est innovateur et audacieux visuellement.
Alors que la photographie reste son objectif principal Russell est souvent engagé comme metteur en scène et photographe pour des projets multi-média.
Le photographe couvre la publicité,la rédaction de revues, livres et émissions de télévision en tant que metteur en scène.
Russell a également établi ses lettres de noblesse dans la culture pop en face de la caméra, siégeant en tant qu'hôte d'une série télé-réalité (America's Next Top Model), créé par le producteur Ken Mok.
En Janvier 2009 Russell a lancé son projet de collaboration artistique, « Nomad Two Wolds", à New York.
Son projet « Nomad Two Worlds » dont le but est de préserver les droits des indigènes et développer la recherche en matière de santé infantile.
Hébergé par Hugh Jackman, Deborah Lee Furness, Baz Lurhmann et le gouvernement australien.
Le livre lancé à Karan's Gallery Donna, est maintenant disponible à travers le monde.
Russell James est actuellement l'un des photographes de mode de premier plan dans le monde.
WWW.RUSSELLJAMES.COM
The Apology (2009)
Directed by RUSSELL JAMES Music Produced by WILL.I.AM Performances and appearances by HUGH JACKMAN, DEBORRA JACKMAN, BAZ LUHRMANN, CLIFTON BIEUNDURRY , BRUCE WIGGIN, CAROL MARTIN, AUSTRALIAN ...
Heidi Klum est née le 1er juin 1973 à Bergisch Gladbach en Allemagne.
Avec un père travaillant dans une entreprise de cosmétique et une mère coiffeuse, Heidi Klum est attirée par le monde de la mode.
Elle a vécu jusqu'à ses dix-huit ans dans une petite ville près de Cologne.
Elle entame sa carrière presque par hasard en s’inscrivant à un concours.
« En 1991, mon amie Karin m'a convaincue de remplir un coupon de magazine : je me suis inscrite pour le concours national "Model 92", où les personnes choisies passeront dans Gottschalk, un top show télévisé allemand semblable à celui de David Letterman ou Jay Leno aux États-Unis »
Heidi Klum est choisie parmi les 25 000 candidates.
Elle a alors 18 ans.
Elle se révèle d'abord très inexpérimentée mais prend ses marques en l'espace d'une année.
Elle débute essentiellement comme mannequin pour le catalogue Petrol avant de se voir offrir de plus en plus de contrats.
Son visage, ses yeux verts, ses magnifiques cheveux bruns, son corps considéré par beaucoup comme parfait, sont mis aux services de marques de voitures, de téléphones ou de vêtements de couturiers.
Une grande part de son talent tient à son visage capable de passer de la fraîcheur à la paresse, du romantisme à la fragilité ou de l'érotisme au sexy.
Le 29 avril 1992, elle signe un contrat de mannequin de 300 000 $, après avoir été diplômée de secondaire, renonçant ainsi à ses études de design.
Elle a été nommée 3ème parmi les 15 mannequins les mieux payées au monde.
Son salaire annuel s'élève à 2 millions de dollars.
La célébrité arrive lorsqu'elle fait la une de Sports Illustrated Swimsuit Issue.
Heidi Klum va alors mener une brillante carrière en Europe, puis aux Etats-Unis.
En 1997, Heidi Klum a épousé Ric Pipino, puis divorcé en 2002.
En 2002, elle a dédié une sculpture peinte appelée Chien avec papillons afin de commémorer le rôle des chiens sauveteurs lors des attentats du 11 Septembre.
Elle pose pour de nombreux magazines dont Elle, Vogue et Marie-Claire.
En 2003, elle intègre les rangs de Victoria's Secret, la célèbre marque de lingerie.
Elle en devient l'égérie pour la société de lingerie.
Elle est surnommée "The Body".
En automne 2003, elle attend son premier enfant avec Flavio Briatore, patron d'écurie de formule 1.
Heidi Klum donne naissance à Hélène en mai 2004.
Elle est également l'égérie de marques comme Braun, H&M, Mac Donald's ou Liz Clairbone.
Quelque soit la marque, Heidi Klum arrive à garder son sex-appeal.
Début 2004, alors qu'elle était encore enceinte, elle tombe amoureuse de Seal.
Ils se marient le 10 mai 2005.
Elle lui donne deux enfants : Henry, né le 12 septembre 2005 à Los Angeles, et Johan, né le 22 novembre 2006 à Los Angeles.
En 2004, Heidi Klum est juge dans l'émission de télé-réalité Project runway pour une chaîne américaine .
Des designers de mode sont en compétition, et le vainqueur pourra présenter sa ligne de vêtements à la fashion week new-yorkaise et recevra un chèque pour démarrer sa carrière.
Elle est nominée au Emmy Awards pour cette émission lors des trois premières saisons.
Heidi Klum a créé sa propre ligne de vêtements, distribuée dans le catalogue allemand Otto.
Elle dessine également des chaussures pour Birkenstock, des bijoux pour la marque Mouawad et des maillots de bain.
Elle a été une des créatrices de la ligne de lingerie The Body de Victoria's Secret.
Elle crée aussi deux parfums : Heidi Klum et Me.
Heidi Klum s'est également beaucoup impliquée dans le développement d'une rose qui porte son nom, disponible en Allemagne.
Elle se révèle aussi une artiste particulièrement touche à tout.
Cheveux Blonde (teinture) Yeux Noisette Taille 1,76 m Mensurations 91-69-94 Poids 58 kg Taille vêtement 34-36
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Il part au Pakistan où, déguisé en autochtone, il passe clandestinement sur le territoire afghan sur le point d'être envahi par les Russes. 
«Au début, tout est image. Il faut du temps pour comprendre vraiment ce que l'on voit et réaliser ce que l'on peut faire. C'est la recherche de l'instant décisif» 
Il s’est dirigé sur les lieux pour prendre des clichés. 
• Sanctuaire: Les temples d’Angkor, Phaidon Press (2002)
